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L'ampia portata della creazione artistica contemporanea e la sua diversità espressiva suscitano spesso dubbi sul suo significato, la sua applicazione e i suoi obiettivi.

Eppure, la funzione dell'arte nella nostra vita rimane la stessa di sempre, anche se la sua applicazione è talvolta diversa – e ammettiamolo – anche più difficile. Un artista che osserva la società contemporanea e i suoi bisogni inevitabilmente vi reagisce nelle sue opere, e questo rappresenta il contributo essenziale della sua attività e il grande significato della sua missione.

Ivan Sedliský si occupa da anni dell'integrazione della pittura negli interni ed esterni moderni. Nato nel 1926, ha studiato all'Accademia di Belle Arti, dove è stato allievo di Vratislav Nechleba. La sua visione dell'arte è focalizzata principalmente sull'essere umano, che costituisce il tema centrale delle sue opere. La figura femminile prevale, un soggetto affascinante e sempre vivo fin dagli albori dell'arte.

Ivan Sedliský presenta i suoi dipinti più recenti, che pur proseguendo il suo lavoro precedente, mostrano chiaramente una trasformazione nella sua percezione dell'essere umano, del suo mondo interiore e degli ideali sociali. Sedliský si è sempre distinto per la sua ammirazione per l'uomo. Era perfettamente consapevole del fatto che i cambiamenti nella struttura della vita modificano non solo l'aspetto delle persone, ma anche la loro prospettiva. I suoi ritratti di donne ne sono una chiara dimostrazione. Così appaiono le donne di oggi, e così le percepiamo.

Sedliský ha abbandonato l'idealizzazione, ma ha trovato una nuova espressione autentica sia nella realtà universale che in quella più intima. Riflette più profondamente sul senso della vita (Le strade che percorriamo, Critica della propria ragione), ponendosi sfide sempre più ambiziose nell'espressione pittorica.

Grazie alla sua varietà espressiva, l'opera di Sedliský affascina soprattutto per la sua ricchezza contenutistica, la sua capacità comunicativa e la qualità della realizzazione artistica – elementi che spesso oggi vengono trascurati e sottovalutati.

Jaroslav Hlaváček

IL PITTORE IVO SEDLISKÝ — ALLA RICERCA DEL RITRATTO DEL XX SECOLO

Osservando i celebri ritratti rinascimentali, le opere di Velázquez, Rembrandt, Goya o i ritratti di Cézanne, Gauguin, Van Gogh e, successivamente, Modigliani o Picasso, possiamo individuare tre elementi che corrispondono ai requisiti fondamentali di questo specifico genere pittorico: innanzitutto, il pittore cerca di catturare fedelmente l'aspetto della persona ritratta, insieme all'atmosfera e all’ambiente del suo tempo; in secondo luogo, vuole cogliere l’aspetto psicologico e il mondo interiore del soggetto; infine – come in ogni opera d'arte – inserisce nella tela la propria concezione, le proprie convinzioni e la sua visione filosofica e sociale. Sebbene l’intervallo tra il desiderio di riprodurre fedelmente l’espressione del soggetto e il totale distacco dalla realtà possa essere ampio, il ritrattista deve integrare tutti e tre questi elementi. Per questo, il ritratto come forma pittorica è strettamente legato a un’alta disciplina artistica.

A causa dei cambiamenti sociali, delle invenzioni tecnologiche e delle ricerche nel campo della fisica nella seconda metà del XIX secolo, questi requisiti si sono trasformati. Il ritratto ha smesso di essere un'opera su commissione, ha perso il suo carattere documentaristico e, infine, ha quasi completamente abbandonato la somiglianza con il soggetto raffigurato. L'aspetto psicologico e artistico dell’opera ha acquisito sempre più importanza, fino a prevalere sulla rappresentazione realistica. Poiché i ritrattisti non trovavano più acquirenti per le loro opere, hanno iniziato a dipingere amici e persone il cui mondo risultava loro affine e affascinante. Così è nato un nuovo rapporto tra pittore e modello, in cui il modello esplora se stesso mentre il pittore si concentra sempre più sulla propria espressione interiore. Si può parlare quindi di una reciproca auto-riflessione individuale. Tuttavia, se il ritrattista sceglie i suoi modelli allo stesso modo in cui seleziona altri soggetti – paesaggi o nature morte – la figura umana diventa un semplice oggetto artistico, facendo venir meno l’equilibrio classico tra pittore e modello.

Il pittore Ivo Sedliský si è posto l'obiettivo di riportare in auge il ritratto in quanto tale, ovvero di riscoprire il ritratto del XX secolo. Cerca di ristabilire l’armonia tra il soggetto ritratto e l’artista. Vuole testimoniare l’essenza degli uomini e delle donne del nostro tempo e, attraverso di loro, documentare i valori positivi dell’umanità.

Il mondo moderno, in tutte le sue espressioni artistiche, lavora con sintesi e semplificazioni. Per un ritrattista, è particolarmente difficile trovare un'espressione intensa della realtà oggettiva dell’uomo attraverso la propria stilizzazione. Sedliský è soprattutto un ritrattista di donne belle, spesso celebri – Sophia Loren, Claudia Cardinale, Monica Vitti – che lo affascinano come tipologie umane e alle quali cerca di conferire un’identità secondo la propria visione. Pone particolare attenzione alle labbra e agli occhi di queste donne. Le colloca in ambienti che ne esaltano il carattere e, attraverso mezzi espressivi sintetici, cerca di trasmetterne le emozioni soggettive. I suoi ritratti femminili riflettono così il volto del nostro tempo, un nuovo tipo di donna che incarna il trionfo della bellezza.

Per questo motivo, torna spesso a questi volti, cercando ogni volta di avvicinarsi più profondamente alla vita interiore dell’essere umano contemporaneo e alla sua relazione con il mondo. Si tratta di un nuovo approccio psicologico, sempre più approfondito. Nei ritratti più recenti di Sedliský possiamo osservare come la figura umana si trasformi – l’espressione serena del volto prende vita, lo sfondo piatto scompare. I grandi ritratti di Monica Vitti, Julie Christie e Pablo Picasso segnano tappe fondamentali della sua produzione artistica.

Il pittore Ivo Sedliský è affascinato dai volti umani, proprio come lo erano gli artisti dell'antica Roma e dell'Egitto. Poiché si è prefissato di riscoprire il ritratto del XX secolo, la sua opera è una continua ricerca e sperimentazione.

17 marzo 1977

ALLA RICERCA DELLA TIPICITÀ

Fin dalle sue origini, l’arte ha seguito due percorsi: rappresenta il generale attraverso l’individuale, l’unico o persino lo straordinario, oppure, al contrario, sintetizza questi elementi individuali in un insieme per creare un tipo.

Il lavoro di IVAN SEDLISKÝ è, sotto questo punto di vista, un caso unico (forse anche a livello mondiale) di ricerca pittorica della seconda via. Nel suo lavoro, Ivan Sedliský torna consapevolmente ai valori antichi della pittura e della sua costruzione, proprio come fecero in passato Cézanne, prima di lui Ingres o i maestri del Rinascimento, e più tardi nel XX secolo, Matisse, Picasso in parte della sua opera, e altri ancora.

Nato a Ostrava nel 1926, studiò presso l’Accademia di Belle Arti di Praga (1946-1952) sotto la guida del professor V. Nechleba, di cui fu assistente fino al 1960. Già nell’opera di Nechleba si ritrova un profondo rispetto per il classico, un approccio quasi scientifico alla realtà, che richiama l’analogia tra pittura e scienza negli studi di Leonardo da Vinci. Tuttavia, Ivan Sedliský ha sviluppato questi spunti in una direzione completamente diversa. I visitatori della sua attuale mostra alla Galleria dei Fratelli Čapek a Praga possono constatarlo di persona. Sedliský non nega una certa componente decorativa nelle sue opere, ma questa non è un semplice estetismo – è altamente significativa e funzionale. È legata alla sua reverenza per la qualità dei maestri antichi, dove la pittura, a differenza della fotografia, non è una copia diretta della realtà, ma un riflesso specifico, una nuova realtà più analogica che imitativa, più generalizzante che analitica.

Non è un caso che l’artista ritorni anche al metodo tematico delle epoche classiche – l’allegoria. Come nelle allegorie barocche, rinascimentali, medievali o antiche, la “misura di tutte le cose”, il protagonista dei suoi dipinti, è l’essere umano rappresentato in un ambiente tipico, un frammento di realtà in grado di simboleggiare il mondo intero. Sedliský è uno dei più importanti ritrattisti contemporanei; il paesaggio nelle sue opere svolge solo un ruolo secondario e, anche quando dipinge fiori, questi dipinti sono strettamente legati alla componente ritrattistica del suo lavoro.

Ivan Sedliský non evita i problemi attuali. I temi dell’uomo e della macchina, dell’uomo e della civiltà, del rapporto tra tradizione e futuro hanno un posto fisso nella sua opera. Non espone spesso nel nostro paese (l’ultima mostra a Praga risale al 1963), ed è per questo che la sua mostra attuale alla Galleria dei Fratelli Čapek sta attirando una meritata attenzione.

Si può dire del pittore Ivan Sedliský che è alla ricerca di un modo di dipingere che permetta di rappresentare tutto.

Come cerca e cosa intende con “tutto” è qualcosa che si può comprendere solo attraverso i suoi dipinti.

La sua ricerca è, in un certo senso, razionale e sobria, programmaticamente anti-illusionista. Parte dal principio che un quadro è una superficie e che non c’è motivo di considerarla una penetrazione illusoria in uno spazio tridimensionale. Rifiuta, esclude o riduce al minimo i mezzi che possono creare l’illusione di un’apertura su uno spazio riempito di oggetti volumetrici e plastici: la gradazione della luce, dei valori cromatici e gli effetti spaziali degli accordi di colore.

Accoglie pienamente il decorativismo, con una tendenza a forme complessive, potenti, chiaramente leggibili, definite con precisione, dinamiche ed energiche.

La dinamica espressiva del suo tratto si rifà senza esitazioni alle stesse forze che modellano gli oggetti della civiltà tecnica e industriale moderna. Spesso traduce questo linguaggio formale e, con piacere, introduce citazioni di antiche opere d’arte: figure della pittura rinascimentale, sculture celebri, personaggi di vasi greci o geroglifici egizi.

La superficie delle sue tele è segnata dalle pennellate, ma senza la volontà di fissare un gesto spettacolare o di esprimere enfaticamente la passione della pittura. È una superficie strutturata pittoricamente, ma non plasticamente espressiva.

La realtà del dipinto non è la realtà rappresentata. È piuttosto un’interpretazione della realtà, un’affermazione in un codice estetico. Sedliský attinge a un’ampia gamma di possibilità espressive.

La sua arte si distingue nettamente dalle tendenze della pittura ceca contemporanea e, sebbene raramente esposta, ha il suo pubblico di estimatori.

Václav Formánek

IVO SEDLISKÝ è un artista figurativo e lo è sempre stato, anche nei periodi in cui la pittura paesaggistica dominava le preferenze del pubblico ceco. Fin dall'inizio della sua carriera artistica – e poiché non è più giovane, ciò significa molti anni – ha dipinto persone; a volte ritratti, ma per lo più figure nelle quali cerca di proiettare atteggiamenti tipici e la mentalità della sua epoca, rappresentanti emblematici di determinate relazioni sociali.

Le dipinge in situazioni e scene che considera altrettanto tipiche, indipendentemente dal fatto che siano reali, fittizie o immaginarie, e le rappresenta utilizzando metodi otticamente realistici, pittura astratta o combinazioni di diversi approcci. Questi principi hanno sempre costituito la base solida della sua pittura.

I dipinti di Sedliský si caratterizzano per l'inventiva nella composizione spaziale, il senso della forma chiara ed espressiva e l'uso parsimonioso del colore, una qualità che, se l'artista lo desidera, può improvvisamente esplodere in sorprendenti armonie cromatiche. Sedliský è capace di esprimersi sia in modo austero che espressivamente dinamico, a seconda di ciò che intende comunicare; soprattutto, però, padroneggia perfettamente il suo mestiere.

Il pubblico non ha mai avuto bisogno di essere convinto di questo aspetto del suo lavoro. Poiché è affascinato dal comportamento umano nelle più diverse situazioni della vita e ama particolarmente dipingere opere che sembrano storiche – o, meglio, intelligenti rielaborazioni storiche – è costantemente tentato di confrontare le persone e gli oggetti della seconda metà del XX secolo con i loro predecessori storici, ampliando così in modo straordinario il suo repertorio tematico. Se oggi espone principalmente figure femminili, è una scelta deliberata, una concentrazione mirata del suo spettro tematico, selezionata appositamente per questa occasione. Tuttavia, l'artista è convinto che riesca a esprimere meglio le sue riflessioni sul tempo e sulle relazioni sociali attraverso le figure femminili piuttosto che maschili; e noi, il pubblico, gli crediamo senza dubbio, perché di fronte alle sue figure femminili non troviamo motivo per contraddirlo.

I dipinti di Sedliský non hanno bisogno di essere scoperti: sono qui da molto tempo. La sua opera è ben nota e ha un vasto pubblico di appassionati e ammiratori. Inoltre, non necessitano di lunghe spiegazioni: i loro contenuti sono chiari e semplici. Esprimono lo spirito del tempo in un modo comprensibile alla sensibilità estetica contemporanea. Per la sensibilità moderna e nel contesto di un'opera pittorica che si confronta con il mondo moderno, Sedliský considera questa consapevole limitazione parte del suo programma artistico, anzi, un dovere fondamentale nei confronti del suo pubblico.

Dr. Václav Formánek

LA BASE DEL MIO LAVORO È L’AMORE E L’AMMIRAZIONE PER LA REALTÀ.

Ciò vale sia per la natura, che percepiamo attraverso i nostri sensi, sia per le relazioni umane, che comprendiamo attraverso la conoscenza. Nelle opere di alcuni teorici dell’arte contemporanea si legge spesso che un certo pittore non “descrive” la realtà, ma la “esprime”. Il termine “descrivere” è usato in modo dispregiativo al posto del classico “rappresentare”. Proprio la differenza tra l’“obiettiva” rappresentazione e la “soggettiva” espressione costituisce essenzialmente il divario tra arte classica e arte moderna. Sono due approcci alla realtà che si escludono a vicenda. Tuttavia, in ogni rappresentazione c’è un frammento di espressione, così come in ogni espressione vi è un elemento di rappresentazione – perché ogni “rappresentante” è comunque un soggetto, e ogni “esprimente” fa parte della realtà oggettiva.

Questo modo moderno e soggettivo di intendere l’“arte dell’espressione” mi è del tutto estraneo. Non posso né voglio identificarmi con un approccio soggettivo e marcatamente individualista alla realtà. La realtà – sia essa storica o contemporanea – mi appare di per sé così interessante, attraente, emozionante e bella che non sento alcun bisogno di selezionarla, aggiungervi qualcosa o persino giudicarla. Certo, non posso cogliere l’intera realtà o anche solo tutti i suoi fenomeni particolari, ma proprio questa mia prospettiva personale, limitata dalle mie capacità, la percepisco più come un vincolo che come un vantaggio.

Per me, l’arte è inevitabilmente contenuta nella realtà stessa – sia nella sua forma visibile che in quella conoscibile – e mi sentirei pienamente soddisfatto se riuscissi a rappresentare questa realtà in modo oggettivo, a descriverla o persino a illustrarla. Non vedo nulla di sbagliato nel voler accompagnare la grandezza della realtà con un’immagine o una rappresentazione almeno minimamente adeguata.
Naturalmente, nella mia percezione della realtà includo anche le opinioni, gli atteggiamenti, le conoscenze e le prospettive delle persone – specialmente di coloro a me vicini. Cerco di attingere anche dal loro pensiero, dalla loro conoscenza e dal loro lavoro. Non sento alcun bisogno – e quindi probabilmente nemmeno la capacità – di vedere nel mondo e nella vita qualcosa che nessun altro vede e di “rivelare” questa conoscenza alle persone. Al contrario, voglio dipingere le cose come credo che siano viste dalla maggior parte delle persone – o almeno come potrebbero o dovrebbero vederle.

Desidero osservare il mondo nuovo e in rapido cambiamento con gli occhi di coloro che sono strettamente legati alle sue trasformazioni. Con i miei dipinti, voglio integrarmi nella ricerca collettiva di coloro che lavorano concretamente per unire l’umanesimo alla rivoluzione scientifico-tecnologica e per una nuova, vittoriosa conoscenza e azione.

Passato e presente, umanesimo e tecnologia mi sono ugualmente vicini. Apprezzo quasi tutto – dall’Egitto e dall’antichità attraverso il Medioevo, il Rinascimento, il Barocco, fino al XIX secolo e alla tecnologia più avanzata. Siano essi robot cibernetici, razzi spaziali o fusione nucleare controllata – così come forme artistiche o espressioni tecniche.

Mi sembra che tutto ciò costituisca un tema interessante per un ciclo pittorico su larga scala, che permetta di osservare un’epoca o un argomento da più angolazioni e di sviluppare una narrazione più profonda. La letterarietà, che nell’arte moderna è disprezzata, mi è cara e voglio che i miei dipinti siano “narrativi”. Per questo, contrariamente all’arte moderna, per me il soggetto è fondamentale. Molti dei miei dipinti nascono proprio perché il processo pittorico mi consente – e spesso mi obbliga – a studiare in dettaglio i temi che mi interessano.

Quando ho realizzato oltre trenta ritratti di pittori a me vicini, ho dovuto inevitabilmente approfondire le loro opere, il loro metodo di lavoro e il loro approccio alla realtà in un modo che sfogliando semplicemente delle riproduzioni non avrei potuto fare.

Forse il mio amore per la realtà è un po’ ingenuo, forse manca di distacco critico e porta spesso all’idealizzazione – ma ciò probabilmente dipende dal mio carattere. Forse è anche una reazione a una parte significativa dell’arte moderna, che cerca il valore artistico nella bruttezza, nella depressione, nella distorsione e nella tensione della realtà. Forse non è un peccato grave e imperdonabile preferire la bellezza alla bruttezza nella vita e nell’arte.

Quasi ogni tema storico mi appare interessante e artisticamente rilevante, oltre che straordinariamente attuale. Dopotutto, è proprio la scienza moderna che ci permette di avere una visione della storia più vera e completa che mai. Confrontiamo, ad esempio, la conoscenza che un artista rinascimentale aveva dell’antichità con le possibilità di ricerca che abbiamo oggi. Ricordiamo come l’arte francese ha scoperto l’Africa, pensiamo alla rappresentazione barocca dei temi biblici o ai dipinti storici dei romantici. Questi esempi ci permettono di confrontare l’enorme quantità di conoscenze storiche che oggi si combina con una nuova valutazione, resa possibile dalla scienza e dalla tecnologia.

Per tutte queste ragioni, le civiltà, le epoche e gli eventi antichi e recenti mi appaiono assolutamente attuali e vivi. Anche in questo la mia visione si contrappone all’arte moderna, che si è posta come obiettivo programmatico quello di liberare l’uomo e l’arte dal “peso delle civiltà passate”.

Nel XX secolo, l’arte si è completamente allontanata dalla tradizione greco-romana, in cui la realtà e la razionalità erano i due pilastri fondamentali. Proprio questa tradizione – in particolare l’antica unione tra ragione e sensualità – rappresenta per me il fondamento centrale e il metro con cui valuto la mia esperienza personale.

Così come nega il passato, l’arte moderna nega anche la possibilità di conoscere la realtà oggettiva, concentrandosi invece sull’irrazionalità, sugli istinti e, nel migliore dei casi, sulle emozioni umane.

Ma per me, il mondo concreto che ci circonda, con le sue nuove forme e conoscenze, è di per sé estremamente interessante ed emozionante. Proprio grazie al nuovo pensiero, esso – nonostante i suoi continui cambiamenti – diventa nuovamente comprensibile.
Questa comprensibilità del mondo, insieme alla possibilità della sua trasformazione, apre possibilità inaspettate per una rappresentazione realistica.

Voglio unire la vivacità cromatica e il linguaggio formale dell’arte astratta con un approccio oggettivo e “classico” alla realtà. Voglio fondere ciò che vedo in natura e nella vita con ciò che so delle persone e delle cose.

Velázquez mi è vicino quanto Miró. Manet e Picasso mi appaiono contemporanei come i piloti di Formula 1. Ammiro Omero quanto Einstein, l’arte antica quanto l’elettronica. Desidero che i miei dipinti storici trasmettano qualcosa di contemporaneo e che le mie rappresentazioni della tecnologia moderna abbiano qualcosa di classico.

Sarei felice se i miei dipinti fossero visti come un’espressione di amore per la realtà oggettiva e se potessero avvicinarsi, almeno un po’, agli obiettivi rivoluzionari del presente – l’unione di un nuovo umanesimo con la scienza e la tecnologia più avanzate.

Metarealismo è un realismo che amplia l'approccio classico alla realtà con le possibilità offerte dalla scienza e dalla tecnologia nello studio e nella rappresentazione dell'uomo e della natura.

La tecnocrazia umanista restituirà alla realtà e alla razionalità un ruolo nell'arte, in una nuova rinascita che si rifà alla cultura classica, creando così nuovi canoni di verità e bellezza.

L'arte moderna si è progressivamente allontanata dalla realtà, mentre l'arte postmoderna ha abbandonato la razionalità.

Il Metarealismo permette la citazione di opere d'arte nel contesto logico della nostra percezione e comprensione della realtà oggettiva.
Il Metarealismo riporta la realtà e la razionalità nell'arte, significando una rinascita del ritratto. Consente di rappresentare il mondo della civiltà in cui vive il soggetto ritratto, così come il suo mondo interiore di pensieri ed emozioni.
Il Metarealismo permette di raffigurare i fenomeni storici così come l'intera realtà visibile contemporanea.

In contrasto con l'arte postmoderna, il Metarealismo si collega alla cultura classica razionale europea e unisce i tre fondamenti della società plasmata dalla rivoluzione scientifica e tecnologica: l'uomo, la civiltà e la natura.

SUI DIPINTI DELLE DONNE

Per tutta la mia vita ho dipinto immagini di donne. Perché il tema della donna è stato il motivo centrale e duraturo del mio lavoro? Principalmente perché la donna è l’essere più bello che esista in natura, ed è sempre stata il soggetto più attraente nella pittura e nell'arte in generale.

Nulla nella storia dell'umanità ha subito così tante trasformazioni e, nonostante la sua costanza, non si è mai manifestato in un numero così incredibile di variazioni. Quanta ricchezza di espressioni è nascosta in una sola donna!

La donna racchiude tutto ciò che incontriamo nella nostra vita; è l'essenza della vita e il suo ornamento più bello. Se l’uomo può essere considerato l'incarnazione della civiltà razionale, la donna è la personificazione della natura saggia e onnipresente, una natura che ammiriamo, percepiamo e accettiamo senza mai riuscire a comprenderla e influenzarla completamente.

Sono sempre stato convinto che, nelle donne e nelle loro rappresentazioni, si possa cogliere al meglio la complessità della vita, le relazioni sociali, il pensiero e i sentimenti dell'epoca, così come i canoni di bellezza senza tempo e quelli legati ai periodi storici. Sono certo che il grande cambiamento qualitativo della società umana, ossia l’uguaglianza della donna, si sia manifestato pienamente non solo nella vita delle donne di oggi, ma anche nella loro bellezza.

Mai nella storia così tante donne si sono prese cura così tanto del proprio aspetto, mai nella storia ci sono state tante donne belle e affascinanti come oggi. Mai nella storia si è verificata una fusione così grande tra bellezza spirituale e fisica, una nuova moderna kalokagathia.

La donna di oggi è pienamente consapevole che il suo fascino risiede tanto nei doni naturali della natura quanto nella consapevolezza di sé. Sa che la sua bellezza è il compimento di un ideale più generale della bellezza femminile, un ideale che oggi non è un’idea astratta, ma un principio con cui la donna crea liberamente sé stessa.

Sa che la sua bellezza, la bellezza del mondo sensibile, non è diretta solo ai sensi, ma anche alla coscienza, che comprende la bellezza. La bellezza della donna di oggi è espressione dello spirito e del cuore; è classica nel senso che equilibra la casualità individuale con leggi e ordine più generali. La donna di oggi cerca in sé stessa e nella cura del proprio aspetto anche l’essenza interiore delle cose, il dentro e il fuori si fondono in uno. Per questo la bellezza della donna è al tempo stesso veritiera in sé stessa – nella rarità della vita, è proprio il suo splendore interiore a dominare nella bellezza delle donne.

"La vita è seria, l'arte è luminosa", dice il poeta Schiller – e le donne creano la propria immagine come un’opera d’arte con cui parlano al mondo.

Perciò, nella rappresentazione della donna di oggi, bisogna liberarsi da ogni determinazione esteriore, da tutto ciò che è indegno e passeggero, da ogni morbosità, dal culto odierno della bruttezza di successo. Non si può accettare la primitività arcaica, la deformazione intenzionale, l’assurdità contemporanea. Non si può accettare alcuna limitazione alla pienezza della natura, perché è proprio nella fusione tra i doni naturali e la consapevolezza spirituale – che deriva dalla comprensione della natura – che risiede l’essenza della bellezza delle donne di oggi.

La bellezza della donna di oggi è piena di fiducia in sé stessa; è una bellezza che unisce l’equilibrio dell’armonia classica con il dramma del Barocco, l’erudizione del Rinascimento con l’attività e la concretezza degli anni Venti e Trenta.

La donna di oggi unisce in una nuova sintesi superiore tutto ciò che un tempo sembrava caratteristico delle diverse epoche storiche, delle diverse nazioni e delle diverse società.

La bellezza delle donne di oggi è meravigliosa, complessa e grandiosa – è diversa da tutte le regole della bellezza femminile del passato – e allo stesso tempo è la loro sintesi.

Da quarant'anni dipingo, ancora e ancora, immagini di donne che vedo nella vita intorno a me, cercando di catturare il loro mondo ricco, complesso e straordinario.

E sono felice che già tre generazioni di donne belle, sagge, sensibili e colte abbiano trovato nei miei dipinti il loro nuovo canone di bellezza moderna e abbiano accettato la mia rappresentazione della loro assolutezza.

Praga, 19 settembre 1991

Sulla cultura, l'arte contemporanea e il doppiaggio delle opinioni

Le grandi mostre dello scorso anno a Venezia, Kassel, Hannover e Mannheim hanno costituito, in sostanza, un riassunto rappresentativo a livello globale delle tendenze artistiche contemporanee più apprezzate. Tuttavia, hanno suscitato scetticismo e spesso persino rifiuto tra molti importanti critici d'arte europei. È emerso chiaramente che non hanno portato nulla di fondamentalmente nuovo, che l'epoca dell'arte moderna si è definitivamente chiusa con l'astrazione e che l'era postmoderna sta giungendo al termine con il passaggio dallo storicismo dell'arte applicata a un vuoto di contenuto o a un giornalismo di contenuto.

Si è reso evidente che il livello della civiltà coincide sempre meno con il livello della cultura e dell'arte, che, abbandonando la realtà e la razionalità, si è completamente "disarticolata".

La rivoluzione scientifica e tecnica, in cui la ragione è la forza produttiva decisiva e la conoscenza il capitale più progressista, porta l'intelligenza in primo piano. Tuttavia, questa intelligenza è sempre più divisa tra un'intelligenza umanistica, che vive con le parole e dalle parole, e un'intelligenza tecnocratica, legata allo sviluppo e alla gestione di potenti imperi industriali, finanziari e commerciali.

Gli intellettuali che si sono separati dalla realtà e dalla razionalità — ed è questo il più grande paradosso del nostro tempo — sono oggi i più influenti nell'arte e nei media, determinandone verbalmente e sostanzialmente la forma. Quando, dopo il crollo delle ideologie, hanno avuto la possibilità di influenzare in modo significativo lo sviluppo, sono diventati predicatori e commentatori di questo sviluppo. Sopravvalutano il loro ruolo e, come sempre, analizzano i propri problemi, presentando la loro debolezza e la loro disorientazione come caratteristiche dell'intera società.

Per dimostrare la loro superiorità sui "pragmatici", cercano gli aspetti superficiali e oscuri della civiltà, pur sfruttandone e pretendendone i benefici.

Mentre in passato un artista che voleva "conoscere se stesso" creava un autoritratto, oggi si fotografa (e espone) i propri genitali o le proprie feci in un barattolo o in un reggiseno. Con il pretesto di infrangere ogni tabù, nulla è troppo ripugnante per essere esposto come opera d'arte — dalle feci in un barattolo o in un reggiseno, agli ani pelosi negli acquari e sugli assorbenti, fino ai preservativi usati e alle lattine di birra. D'altronde, secondo questa visione, tutto ciò che qualcuno crea è considerato un'opera d'arte, e chiunque può essere un artista.

Naturalmente, anche nell'attuale postmodernità decadente, molte opere di molti autori sono eccellenti e ampliano davvero la nostra percezione e comprensione. Tuttavia, è sempre più difficile trovarle in mezzo all'ondata di opere mediocri e profondamente scadenti, nel caos dell'autoaffermazione aggressiva di gruppi e individui.

Tuttavia, gli intellettuali di oggi rappresentano solo una parte minore e sempre più ridotta dell'intelligenza complessiva. Una classe molto più grande e significativa sta emergendo: la nuova tecnocrazia umanistica, in rapida crescita. Questa classe sta appena iniziando a plasmare la propria filosofia, la propria cultura e il proprio gusto artistico. Tuttavia, è già evidente che il pragmatismo dei tecnocrati riporterà nell'arte la realtà e la razionalità — espulse dalla modernità e dalla postmodernità — e creerà così le basi per un nuovo Rinascimento. È anche certo che questa nuova classe emergente, combinando la ragione e la percezione sensoriale, unirà il classico con il moderno, rappresentando l'essere umano in una nuova kalokagathia, un'armonia tra bellezza mentale e fisica.

È naturale che questa nuova tecnocrazia umanistica esprima la propria forza e fiducia in se stessa attraverso l'arte, e che il suo nuovo approccio alla realtà generi nuove forme di realismo — un nuovo metarealismo — come una delle rappresentazioni del mondo complesso di oggi.

Le persone di questo paese sono orgogliose della loro capacità di interpretare opere straniere, della loro conoscenza delle correnti di pensiero straniere, della loro abilità nel promuovere il lavoro altrui e della loro destrezza nel "doppiare" le opinioni degli altri nella propria lingua. Ciò è particolarmente evidente nel campo della cultura e dell'arte, dove la dipendenza da modelli stranieri è presentata come un vantaggio e spesso addirittura come sinonimo di qualità.

Nella sua poesia sulla Boemia, Viktor Dyk scrisse: "I tuoi figli prenderanno pensieri di decima mano, E porteranno all'Europa vestiti già logori."

Siamo soddisfatti di essere considerati una provincia e, con anni di ritardo, costruiamo il nostro mondo presuntuoso — un mondo in cui il complesso di inferiorità convive con un'autosopravvalutazione borghese. Tra di noi recitiamo il ruolo dei sovrani, ma davanti ai ricchi del mondo ci presentiamo umilmente, con il cappello in mano, pronti a servire a basso costo. Lo zelo con cui, nella maggior parte dei casi, importiamo acriticamente le "nuove tendenze straniere" meriterebbe meno ammirazione e più prudenza.

Certamente, siamo bravi in molte cose e spesso migliori di coloro con cui ci confrontiamo, ma quasi mai siamo i primi — né nelle idee, né nelle opinioni. Siamo quelli che citano sapientemente gli altri, ma che solo eccezionalmente vengono citati nel mondo.

In ogni epoca e in ogni società, ci sono sempre persone che non vogliono accontentarsi di accettare e ripetere ciò che altrove è stato raggiunto da tempo — persone che orientano i propri sogni, i propri pensieri e il proprio lavoro verso il futuro. E se riescono a unirsi, potrebbero, nonostante le condizioni sfavorevoli, almeno in alcuni ambiti, mantenere il passo con un mondo in rapido cambiamento — e, in alcuni casi, persino superarlo.

Sul ritratto

Per comprendere la posizione e il significato del ritratto contemporaneo, dobbiamo almeno in parte tornare al passato, in particolare al XIX secolo. Il XIX secolo è stato un periodo straordinariamente importante per la nostra civiltà europea, che si è notevolmente arricchita: attraverso la conoscenza della storia dell'umanità e allo stesso tempo aprendo la strada alla nostra contemporaneità.

Nel XIX secolo, un numero senza precedenti di invenzioni, l'apertura di nuove rotte commerciali e l'industrializzazione della produzione crearono l'illusione che stesse nascendo un'epoca d'oro del benessere per tutti. Ma la realtà era diversa: le macchine prolungavano l'orario di lavoro, la concentrazione delle persone nelle città peggiorava drasticamente le condizioni di vita, e la competizione generava un'avidità spietata.

Gli artisti, osservando con sensibilità il mondo che li circondava, caddero in una disillusione per lo sviluppo della civiltà e iniziarono gradualmente a distaccarsene – dapprima dalla realtà dannosa, poi dalla realtà in generale. L'impressionismo ridusse la realtà solo a ciò che si vedeva, portando alle soluzioni creative del cubismo o alla fuga nel sogno e nell'immaginazione del surrealismo. Questo processo culminò nell'astrazione come rifiuto definitivo della realtà. Ciò, ovviamente, minò la realtà come uno dei due pilastri della tradizione classica europea e, di conseguenza, escluse il ritratto, che senza una realtà percepibile dai sensi non è possibile.

L'arte moderna e postmoderna rifiutò poi anche il secondo pilastro su cui si basava l'arte fin dall'antichità: la razionalità. Se la causa principale del rifiuto della realtà era la disillusione per lo sviluppo della civiltà, la principale causa del rifiuto postmoderno della razionalità fu la disillusione per gli effetti pratici delle ideologie, siano esse nazionaliste o sociali. Le persone riponevano enormi speranze in queste idee, ma esse furono all'origine di due terribili guerre mondiali, che causarono la morte e la sofferenza di milioni di persone. Il periodo successivo alla Seconda Guerra Mondiale, nella seconda metà del XX secolo, fu segnato dalla minaccia di una catastrofe globale e l'arte cercò di sfuggire a questa realtà rifugiandosi nell'irrazionalità.

L'arte moderna e soprattutto quella postmoderna rifiutarono così lo sforzo di rappresentare la vita, di giustificarne le manifestazioni e di comprenderne il significato, sia nel complesso che nei dettagli. Rifiutò le grandi narrazioni, la logica, l'ordine, le idee, la ragione e la ricerca della verità – il XX secolo divenne, secondo il filosofo Bergson, il secolo dell'inconscio.

Gli artisti tornarono al punto di partenza dello sviluppo sociale e crearono artificialmente una situazione quasi identica al primitivismo e alla preistoria, quando i nostri antenati vivevano in un mondo che non comprendevano, che non potevano controllare e che per loro era un enigma assoluto.

Oggi, anche l'artista opera in un mondo che, secondo i teorici dell'arte, non capisce e spesso non vuole nemmeno capire. D'altronde, la ricca civiltà odierna non glielo chiede; gli permette di divertirsi con la propria creazione e di intrattenere gli altri, dando la priorità al gioco piuttosto che al pensiero. L'artista non è più un messaggero della fede, non è più un filosofo, né un ingegnere di qualcosa – è diventato un intrattenitore. L'arte è diventata un insieme di giochi senza vincoli, è passata, per così dire, dal teatro di pietra alla pista del circo, e la popolarità ha sostituito l'importanza sociale. L'artista di oggi è libero da ogni limite e tabù, assolutamente libero, tranne che è schiavo del mercato, che lo modella nel ruolo di showman e uomo d'affari.

Nell'arte contemporanea si mescolano tutti i valori e le dimensioni, l'alto e il basso, il tradizionale e il nuovo, il primitivo e il sublime, il serio e il banale – anche se in modo non uniforme. Possiamo dire che ciò che per tutta la storia è stato l'obiettivo dell'arte, ovvero la verità e la bellezza, è stato espulso dall'arte, mentre ciò che è sempre stato ai suoi margini – la bruttezza, la volgarità, il dilettantismo – è stato portato al centro.

Si enfatizza la polarità, ma questa non riguarda il realismo – e ciò significa che nemmeno il ritratto, che è legato indissolubilmente a questa tradizione classica, trova posto nell'arte contemporanea e spesso è addirittura in contrasto con essa.

Oggi la domanda è: il ritratto può tornare nell'arte, da cui è stato brutalmente escluso per tutto il XX secolo? La risposta va cercata ancora una volta nella situazione sociale e nei suoi nuovi sviluppi. Grazie alla rivoluzione scientifico-tecnologica, la ragione sta diventando la forza dominante, l'istruzione e l'informazione il capitale più avanzato. Questo riporta la razionalità e la realtà nell'arte. Ciò crea le premesse per una nuova rinascita, e proprio il ritratto ne apre la strada.

Il ritratto non è quindi qualcosa di superato dai tempi moderni, ma al contrario è qualcosa con cui la nuova era si presenta. Il ritratto è in grado di riallacciarsi rapidamente alla ricca tradizione culturale europea, di integrare passato e presente, di unire l'oggettivo e il soggettivo in una nuova qualità.

Con il suo impegno per la forma e l'ordine, il ritratto può contrastare l'attuale frammentazione e caos. La sua capacità comunicativa può ridurre l'isolamento dell'artista dal pubblico e, cosa altrettanto importante, le sue esigenze tecniche e artigianali possono rappresentare un argine al dilagante dilettantismo e all'inadeguatezza artistica di oggi.

Per la sua complessità, il ritratto è sempre stato il culmine dell'impegno artistico ed è stato spesso la disciplina più rispettata. È quindi possibile che nella nuova rinascita imminente esso riacquisti un ruolo di primo piano. Tuttavia, l'isolamento del ritratto e l'interruzione del suo sviluppo naturale hanno avuto conseguenze: pochi artisti possiedono oggi le competenze tecniche necessarie per padroneggiarlo, pochi riescono a superare le convenzioni e i pregiudizi esistenti.

Il ritratto non può essere classificato nella categoria generica dei giochi artistici, è sempre stato e rimarrà nella categoria dell'arte vera.