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Der große Umfang der zeitgenössischen Kunst und ihre Ausdrucksvielfalt verursachen oft Verwirrung über ihren Sinn, ihre Anwendung und ihre Ziele.

Und doch bleibt die Funktion der Kunst in unserem Leben dieselbe wie eh und je, auch wenn ihre Anwendung manchmal anders ist – und seien wir ehrlich – auch schwieriger. Ein Künstler, der die Gegenwart und ihre gesellschaftlichen Bedürfnisse beobachtet, reagiert selbstverständlich darauf in seinen Werken, und das ist der wesentliche Beitrag seiner Tätigkeit sowie die große Bedeutung seiner Mission.

Ivan Sedliský beschäftigt sich seit Jahren mit der künstlerischen Erforschung der Rolle von Gemälden in modernen Innen- und Außenräumen. Geboren 1926, absolvierte er die Akademie der Bildenden Künste, wo er Schüler von Vratislav Nechleba war. Seine Sicht auf die Kunst konzentriert sich vor allem auf den Menschen, der das zentrale Thema seiner Werke ist. Die weibliche Figur dominiert – ein von den Anfängen der Kunst an stets lebendiges und faszinierendes Motiv.

Ivan Sedliský präsentiert seine neuesten Gemälde, die zwar an seine bisherige Arbeit anknüpfen, aber deutlich eine Veränderung in seiner Auffassung vom Menschen, seiner inneren Welt und seinen gesellschaftlichen Idealen zeigen. Sedliský war stets von der Bewunderung für den Menschen geprägt. Ihm war völlig klar, dass Veränderungen in der Struktur des Lebens nicht nur das Erscheinungsbild des Menschen, sondern auch seine Perspektiven verändern. Seine Frauenporträts sind ein klarer Beweis dafür. So sehen moderne Frauen aus, und so nehmen wir sie auch wahr.

Sedliský hat die Idealisierung aufgegeben, aber einen neuen, wahren Ausdruck sowohl in der allgemein gültigen als auch in der intimen Realität gefunden. Er setzt sich tiefer mit dem Sinn des Lebens auseinander (Die Wege, die wir gehen, Kritik der eigenen Vernunft) und stellt sich größeren Herausforderungen im malerischen Ausdruck.

Durch die Vielfalt seines künstlerischen Ausdrucks fesselt Sedliskýs Werk vor allem durch seinen inhaltlichen Reichtum, seine Ausdruckskraft und die künstlerische Qualität – Elemente, die heutzutage oft übersehen und unterschätzt werden.

Jaroslav Hlaváček

MALER IVO SEDLISKÝ — DIE SUCHE NACH DEM PORTRÄT DES 20. JAHRHUNDERTS

Wenn wir berühmte Renaissance-Porträts betrachten, die Werke von Velázquez, Rembrandt, Goya oder die Porträts von Cézanne, Gauguin, Van Gogh und später Modigliani oder Picasso, können wir drei Elemente erkennen, die den grundlegenden Anforderungen dieses spezifischen Malgenres entsprechen: Erstens versucht der Maler, die Ähnlichkeit der porträtierten Person so getreu wie möglich einzufangen und gleichzeitig die Atmosphäre und das Umfeld der jeweiligen Zeit darzustellen. Zweitens muss die psychologische Dimension und die innere Welt der porträtierten Person erfasst werden. Schließlich bringt der Künstler – wie in jedem Kunstwerk – seine eigene Konzeption, seine Überzeugungen sowie seine philosophische und gesellschaftliche Sichtweise in das Bild ein. Obwohl die Spannweite zwischen dem Bestreben, den Ausdruck des Porträtierten möglichst realistisch wiederzugeben, und einer völligen Loslösung von der Realität beträchtlich sein kann, muss ein Porträtist alle drei dieser Elemente berücksichtigen. Daher ist das Porträt als Gemälde eng mit hoher künstlerischer Disziplin verbunden.

Aufgrund gesellschaftlicher Veränderungen, technischer Erfindungen und physikalischer Forschungen in der Mitte des 19. Jahrhunderts haben sich diese Anforderungen gewandelt. Das Porträt hörte auf, eine Auftragsarbeit zu sein, verlor seinen dokumentarischen Charakter und schließlich auch den Anspruch auf Ähnlichkeit mit der dargestellten Person. Die psychologische und künstlerische Dimension des Werks gewann zunehmend an Bedeutung, bis schließlich die individuelle Konzeption und die philosophische Sichtweise des Malers dominierten. Da Porträtmaler keine Käufer mehr für ihre Werke fanden, begannen sie, ihre Freunde und Menschen zu malen, deren Welt ihnen nahe und ansprechend erschien. Dadurch entstand eine neue Beziehung zwischen Maler und Modell, in der das Modell sich selbst erkundete und der Maler zunehmend nach Selbstausdruck strebte. Man könnte daher von einer gegenseitigen individuellen Selbstreflexion sprechen. Wenn jedoch der Porträtist seine Modelle genauso auswählt wie andere Motive – Landschaften oder Stillleben –, wird der Mensch zu einem rein künstlerischen Objekt, wodurch das klassische Gleichgewicht zwischen Modell und Maler verloren geht.

Der Maler Ivo Sedliský hat sich zum Ziel gesetzt, das Porträt als solches wiederzubeleben – mit anderen Worten, das Porträt des 20. Jahrhunderts neu zu entdecken. Er bemüht sich, die Harmonie zwischen dem Porträtierten und dem Maler wiederherzustellen. Er möchte Zeugnis über die Menschen unserer Zeit ablegen und durch sie die positiven Werte der Menschheit dokumentieren.

Die moderne Welt arbeitet in allen kreativen Ausdrucksformen mit Vereinfachungen. Besonders für einen Porträtisten ist es schwierig, einen konzentrierten Ausdruck objektiver menschlicher Realität durch seine eigene Stilisierung zu finden. Sedliský ist in erster Linie ein Porträtist schöner Frauen, oft berühmter Frauen – Sophia Loren, Claudia Cardinale, Monica Vitti –, die ihn als menschliche Typen faszinieren und deren Ausdruck er nach seiner eigenen Vorstellung mit Identität versehen möchte. Den künstlerischen Schwerpunkt legt er vor allem auf die Lippen und Augen dieser Frauen. Er platziert sie in Umgebungen, die ihren Charakter ergänzen, und versucht, durch prägnante Mittel die subjektiven Emotionen der Porträtierten auszudrücken. Seine Frauenporträts spiegeln somit das Gesicht unserer Zeit wider – einen neuen Frauentypus, der den Triumph der Schönheit verkörpert.

Daher kehrt er immer wieder zu diesen Gesichtern zurück, um sich jedes Mal dem inneren Leben des modernen Menschen und seiner Beziehung zur Welt weiter anzunähern. Dies stellt einen neuen – und zunehmend tiefergehenden – psychologischen Ansatz dar. In Sedliskýs neuesten Porträts können wir beobachten, wie sich der Mensch verändert – der ruhige Gesichtsausdruck erwacht zum Leben, die flache Hintergrundgestaltung verschwindet. Große Porträts von Monica Vitti, Julie Christie und Pablo Picasso markieren deutliche Meilensteine in seinem Werk.

Der Maler Ivo Sedliský ist von der menschlichen Gesichtszüge fasziniert, so wie es einst die Künstler des antiken Roms und Ägyptens waren. Da er sich vorgenommen hat, das Porträt des 20. Jahrhunderts zu entdecken, bleibt sein Werk ein ständiges Suchen und Experimentieren.

17. März 1977

DIE SUCHE NACH TYPIZITÄT

Die Kunst bewegt sich seit jeher auf zwei Wegen: Sie stellt das Allgemeine entweder durch das Individuelle, Einzigartige oder gar Besondere dar oder fasst im Gegenteil diese Einzelheiten zu einem Ganzen zusammen, um einen Typus zu schaffen.

Das Werk von IVAN SEDLISKÝ ist in dieser Hinsicht ein einzigartiger Fall (möglicherweise sogar weltweit) einer malerischen Suche nach dem zweiten Weg. In seinen Arbeiten kehrt Ivan Sedliský bewusst zu den alten Werten der Malerei und deren Struktur zurück, ähnlich wie einst Cézanne, davor Ingres oder die Meister der Renaissance, und später im 20. Jahrhundert unter anderem Matisse oder in Teilen seines Werkes auch Picasso.

Der in Ostrava geborene Künstler (1926) studierte an der Prager Akademie der Bildenden Künste (1946-1952) bei Professor V. Nechleba und war bis 1960 dessen Assistent. Bereits in Nechlebas Werk findet sich eine große Ehrfurcht vor der klassischen Malerei, ein fast wissenschaftliches Interesse an der Realität, das an die Analogie zwischen Malerei und Wissenschaft bei Leonardo da Vinci erinnert. Ivan Sedliský entwickelte diese Einflüsse jedoch in eine völlig andere Richtung. Dies kann der Besucher der aktuellen Ausstellung des Künstlers in der Galerie der Brüder Čapek in Prag selbst entdecken. Sedliský bestreitet nicht eine gewisse dekorative Komponente, doch diese ist keineswegs bloße Ästhetik – sie ist inhaltlich reich und funktional. Sie steht in direktem Zusammenhang mit seiner Achtung vor den Qualitäten der alten Meister, wobei das Gemälde im Gegensatz zur Fotografie keine direkte Kopie der Realität ist, sondern eine spezifische Reflexion, eine neue Realität, die eher analog als abbildend, eher verallgemeinernd als analysierend ist.

Es ist kein Zufall, dass der Künstler auch zur inhaltlichen Methode klassischer Epochen zurückkehrt – zur Allegorie. Wie in barocken, renaissancistischen, mittelalterlichen und antiken Allegorien ist der Mensch das zentrale Maß aller Dinge, der Protagonist seiner Bilder – dargestellt in einer typischen Umgebung, einem Ausschnitt der Realität, der das Ganze der Welt symbolisieren kann. Sedliský zählt zu den herausragendsten Porträtmalern der Gegenwart; Landschaften spielen in seinem Werk nur eine untergeordnete Rolle, und selbst wenn er Blumen malt, sind diese Werke eng mit der Porträtkomponente seines Œuvres verbunden.

Ivan Sedliský scheut sich nicht, sich mit aktuellen Themen auseinanderzusetzen. Die Beziehung zwischen Mensch und Maschine, Mensch und Zivilisation sowie zwischen Tradition und Zukunft hat in seinem Werk einen festen Platz. In unserem Land stellt er nicht häufig aus (zuletzt 1963 in Prag), was seiner aktuellen Ausstellung in der Prager Galerie der Brüder Čapek umso mehr verdiente Aufmerksamkeit beschert.

Man kann über den Maler Ivan Sedliský sagen, dass er nach einer Malweise sucht, mit der sich alles malen lässt.

Wie er sucht und was er unter „alles“ versteht, muss man aus seinen Gemälden herauslesen.

Sedliskýs Suche ist in gewisser Weise sachlich und nüchtern, programmatisch antiillusionistisch. Er geht von der Überzeugung aus, dass ein Gemälde eine Fläche ist und dass es keinen Grund gibt, diese als illusionistischen Durchbruch in den dreidimensionalen Raum zu betrachten. Er lehnt Mittel ab, die den Eindruck erwecken könnten, dass das Bild ein Fenster in einen Raum mit plastischen, voluminösen Objekten sei: die Abstufung von Licht und Tonwerten, die räumlichen Wirkungen von Farbakzenten.

Er bekennt sich vollständig zum Dekorativismus, mit einer ausgeprägten Tendenz zu umfassenden, kraftvollen, klar lesbaren, präzise definierten, dynamischen und ausdrucksstarken Formen.

Die Ausdrucksdynamik seiner Zeichnung bezieht sich offen auf dieselben Quellen und Kräfte, die auch die Objekte der modernen technischen und industriellen Zivilisation formen. Oft überträgt er diese Formensprache und führt mit großer Begeisterung Zitate aus alten Kunstwerken ein: Figuren aus Gemälden der Renaissance, bekannte Skulpturen, Gestalten von griechischen Vasen oder ägyptische Hieroglyphen.

Die Oberfläche seiner Gemälde ist durch Pinselspuren aufgeraut, jedoch ohne die Absicht, eine effektvolle Geste zu fixieren oder ostentativ die Leidenschaft des Malprozesses zur Schau zu stellen. Es handelt sich um eine malerisch strukturierte Oberfläche, aber nicht um eine expressiv plastische.

Die Realität des Bildes ist nicht die dargestellte Realität. Vielmehr handelt es sich um eine Aussage über die Realität, eine Äußerung in einem ästhetischen Code. Sedliský wählt aus einem breiten Spektrum von Möglichkeiten.

Je nach seiner Begabung und seinem Temperament wählt er Ausdrucksweisen, die ihm ermöglichen, möglichst umfassend und vielseitig mit den Betrachtern zu kommunizieren.

Seine Bilder erfordern nicht nur emotionale Wahrnehmung, sondern auch Fantasie und Intellekt – so wie einst die Betrachter die Werke von Botticelli oder Giovanni Bellini durch die Analyse der symbolischen Bedeutungen der dargestellten Elemente entschlüsseln mussten.

Durch diese Herangehensweise wird deutlich, dass Sedliskýs Gemälde fast episch, inhaltsreich und tiefgründig durchdacht sind.

Soweit ich weiß, hat Sedliský niemals Landschaften gemalt. Sein Hauptinteresse gilt menschlichen Figuren und Gesichtern – jedoch nicht im üblichen Sinne der Porträttradition. Ihn interessiert nicht die Individualität der Porträtierten, sondern vielmehr ihre Typisierung. Er versucht, sie in einen größeren historischen Zusammenhang zu stellen, ihre Individualität mit der Zeit und den gesellschaftlichen Bedingungen in Beziehung zu setzen oder sie durch visuelle Zeichen und allegorische Elemente darzustellen.

Sedliskýs Werk ist einzigartig und weicht in vielerlei Hinsicht von den heutigen Strömungen und Tendenzen der tschechischen Malerei ab. Es hat jedoch seinen eigenen Kreis von Bewunderern, auch wenn es nur selten ausgestellt wird.

Václav Formánek

IVO SEDLISKÝ ist ein Figuralist und war es immer, auch in Zeiten, in denen in der tschechischen Malerei die Landschaftsmalerei beim Publikum besonders beliebt war. Seit Beginn seiner künstlerischen Laufbahn – und da er nicht mehr der Jüngste ist, bedeutet das eine lange Zeit – malt er Menschen; manchmal Porträts, meist jedoch Figuren, in die er typische Haltungen und die Mentalität der jeweiligen Zeit einfließen lässt – typische Vertreter bestimmter gesellschaftlicher Verhältnisse.

Er malt sie in Situationen und Szenen, die er ebenfalls als typisch betrachtet, unabhängig davon, ob sie real, fiktiv oder imaginativ sind, ob er sie mit optisch realistischen Mitteln, abstrakter Malerei oder einer Kombination verschiedener Techniken darstellt. Diese Prinzipien bilden seit all den Jahren die feste Grundlage seiner Malerei.

Sedliskýs Werke zeichnen sich durch eine erfinderische Anordnung räumlicher Beziehungen, ein Gespür für klare und ausdrucksstarke Formen sowie eine sparsame Farbgebung aus – eine Eigenart, die, falls es die Absicht des Künstlers ist, in überraschenden Farbakkorden plötzlich explodieren kann. Sedliský beherrscht sowohl eine strenge als auch eine expressive Ausdrucksweise – je nachdem, worauf es ihm ankommt. Vor allem aber beherrscht er sein Handwerk.

In dieser Hinsicht musste er sein Publikum nie überzeugen. Da er sich für das menschliche Verhalten in den unterschiedlichsten Lebenssituationen interessiert und besonders gerne Bilder mit historischem Charakter – oder besser gesagt: intelligent historisierende Werke – malt, da er ständig versucht, Menschen und Dinge der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts mit ihren historischen Vorgängern zu konfrontieren, ist sein thematisches Spektrum bemerkenswert breit. Wenn er heute hauptsächlich Frauen darstellt, ist das eine bewusste thematische Fokussierung und eine speziell für diese Ausstellung getroffene Auswahl. Der Künstler ist jedoch überzeugt, dass er seine Aussagen über Zeit und gesellschaftliche Verhältnisse besser über Frauenfiguren als über Männerfiguren vermitteln kann – und wir, das Publikum, glauben ihm das gewiss, denn angesichts seiner weiblichen Figuren finden wir keinen Grund, ihm zu widersprechen.

Sedliskýs Bilder müssen nicht neu entdeckt werden – er ist bereits lange präsent, seine Werke sind bekannt und haben einen breiten Kreis von Interessierten und Bewunderern. Auch müssen sie nicht ausführlich erklärt werden, denn ihre Inhalte sind klar und einfach. Sie drücken das Lebensgefühl der Zeit aus, auf eine Weise, die dem Verständnis und der ästhetischen Empfindung des modernen Menschen nahekommt. Für die heutige Sensibilität und im Rahmen eines künstlerischen Werks, das sich mit der modernen Welt auseinandersetzt, betrachtet Sedliský dies als Teil seines künstlerischen Programms – ja, als grundlegende Verpflichtung gegenüber seinen Betrachtern.

Dr. Václav Formánek

DIE GRUNDLAGE MEINER ARBEIT IST LIEBE UND BEWUNDERUNG FÜR DIE REALITÄT.

Dies gilt sowohl für die Natur, die wir mit unseren Sinnen wahrnehmen, als auch für die von Menschen geschaffenen Beziehungen, die wir durch Erkenntnis begreifen. In den Schriften einiger zeitgenössischer Kunsttheoretiker liest man oft, dass ein bestimmter Maler die Realität nicht „beschreibt“, sondern „ausdrückt“. Dabei wird das abwertende „beschreiben“ anstelle des klassischen „darstellen“ verwendet. Genau der Unterschied zwischen objektivem „Darstellen“ und subjektivem „Ausdrücken“ ist im Wesentlichen der Unterschied zwischen klassischer und moderner Kunst. Es handelt sich um zwei einander ausschließende Ansätze zur Realität. In jeder Darstellung steckt jedoch ein Stück Ausdruck, und in jedem Ausdruck steckt ein Teil Darstellung – denn jeder „Darstellende“ ist gleichzeitig ein Subjekt, und jeder „Ausdrückende“ ist ein Teil der objektiven Realität.

Diese moderne, subjektive Art der „Ausdruckskunst“ ist mir vollkommen fremd. Mit einem subjektiven, ausgeprägt individualistischen Zugang zur Realität kann und will ich mich nicht identifizieren. Die Realität – sei sie historisch oder gegenwärtig – erscheint mir an sich so interessant, ansprechend, aufregend und schön, dass ich keinerlei Bedürfnis verspüre, etwas aus ihr auszuwählen oder ihr etwas hinzuzufügen, geschweige denn sie selbst zu bewerten. Natürlich kann ich nicht die gesamte Realität oder auch nur ihre einzelnen Erscheinungen erfassen, aber gerade meine persönliche Perspektive, die durch meine Möglichkeiten begrenzt ist, empfinde ich eher als Einschränkung denn als Vorteil.

Für mich ist Kunst zwangsläufig in der Realität selbst enthalten – sowohl in ihrer sichtbaren als auch in ihrer erkennbaren Form – sodass ich vollkommen zufrieden wäre, wenn es mir gelänge, diese Realität objektiv darzustellen, zu beschreiben oder sogar zu illustrieren. Ich sehe nichts Falsches daran, wenn ich die Großartigkeit der Realität zumindest mit einem einigermaßen angemessenen Bild oder einer Darstellung begleiten könnte.
Natürlich beziehe ich in meine Wahrnehmung der Realität sowohl die Meinungen, Einstellungen, das Wissen und die Standpunkte der Menschen ein – insbesondere derer, die mir nahe stehen. Auch aus ihrem Denken, ihrem Wissen und ihrer Arbeit versuche ich zu schöpfen. Ich verspüre keinerlei Drang – und daher vermutlich auch keine Fähigkeit –, in der Welt und dem Leben etwas zu sehen, was sonst niemand sieht, und dieses „Erkenntnis“ den Menschen zu offenbaren. Im Gegenteil, ich möchte die Dinge so malen, wie ich glaube, dass sie von den meisten Menschen gesehen werden – oder zumindest so, wie sie sie sehen könnten oder sollten.

Ich möchte die neue, sich rasant verändernde Welt mit den Augen derer sehen, die eng mit ihren Wandlungen verbunden sind. Mit meinen Bildern möchte ich mich in das kollektive Streben der Menschen einfügen, die konkret auf eine Verbindung von Humanismus und wissenschaftlich-technischer Revolution sowie auf eine neue, siegreiche Erkenntnis und Handlung hinarbeiten.

Vergangenheit und Gegenwart, Humanistisches und Technisches sind mir gleichermaßen nah. Ich schätze nahezu alles – von Ägypten und der Antike über das Mittelalter, die Renaissance, das Barock bis hin zum 19. Jahrhundert und der modernsten Technik. Ob es sich um kybernetische Roboter, Raumraketen oder kontrollierte Kernfusion handelt – ebenso wie um künstlerische oder technische Ausdrucksformen.

Mir erscheint alles als ein interessantes Thema für einen groß angelegten Bilderzyklus, das es ermöglicht, eine bestimmte Epoche oder ein bestimmtes Thema aus mehreren Perspektiven zu betrachten und eine tiefere Erzählung zu entfalten. Die Literarizität, die in der modernen Kunst verpönt ist, ist mir nah, und ich möchte, dass meine Bilder „erzählerisch“ sind. Daher ist – im Gegensatz zur modernen Kunst – für mich das Thema entscheidend. Viele meiner Bilder entstehen gerade deshalb, weil das Malen mir erlaubt – ja oft sogar zwingt –, mich detailliert mit den Inhalten auseinanderzusetzen, die mich interessieren.

Als ich mehr als dreißig Porträts von mir nahestehenden Malern anfertigte, beschäftigte ich mich zwangsläufig eingehender mit ihren Werken, ihrer Arbeitsweise und ihrem Zugang zur Realität, als wenn ich ihre Werke nur als Reproduktionen durchblättert hätte.

Vielleicht ist meine Liebe zur Realität etwas naiv, vielleicht mangelt es ihr an kritischer Distanz und führt oft zur Idealisierung – aber das ist wohl meiner Natur geschuldet. Möglicherweise ist es auch eine Reaktion auf einen bedeutenden Teil der modernen Kunst, die das Künstlerische in Hässlichkeit, Depression, Verzerrung und Verkrampfung der Realität sucht. Vielleicht ist es kein großes und unverzeihliches Vergehen, im Leben und in der Kunst das Schöne dem Hässlichen vorzuziehen.

Fast jedes historische Thema erscheint mir von sich aus interessant und künstlerisch bedeutsam, und zugleich außergewöhnlich zeitgenössisch. Schließlich ermöglicht uns gerade die moderne Wissenschaft eine neue, wahrheitsgetreuere und umfassendere Sicht auf die Geschichte als je zuvor. Vergleichen wir beispielsweise das Wissen, das ein Renaissance-Künstler über die Antike hatte, mit unseren heutigen Möglichkeiten, die antike Welt zu erforschen. Erinnern wir uns, wie die französische Kunst Afrika entdeckte, oder denken wir an die barocke Darstellung biblischer Themen oder die historischen Gemälde der Romantiker. Solche Beispiele ermöglichen es uns, die enorme Menge an historischen Erkenntnissen zu vergleichen, die sich heute mit einer neuen, durch Wissenschaft und Technik ermöglichten Bewertung verbindet.

Aus all diesen Gründen sind für mich alte und neuere Zivilisationen, Epochen und Ereignisse absolut gegenwärtig und lebendig. Auch hierin stehen meine Ansichten im Gegensatz zur modernen Kunst, die es sich programmatisch zum Ziel gesetzt hat, den Menschen und die Kunst von den „Altlasten vergangener Zivilisationen“ zu befreien.

Das 20. Jahrhundert hat sich in der Kunst gänzlich von der griechisch-lateinischen Tradition abgewandt, in der Realität und Rationalität die zwei grundlegenden Säulen waren. Gerade diese Tradition – insbesondere die antike Verbindung von Vernunft und Sinnlichkeit – ist für mich das zentrale Fundament und der Maßstab, mit dem ich meine persönliche Erfahrung bewerte.

Genauso wie die Vergangenheit negiert die moderne Kunst auch die Möglichkeit der Erkenntnis objektiver Realität und konzentriert sich stattdessen auf Irrationalität, Instinkte und bestenfalls auf menschliche Emotionen.

Aber für mich ist die konkrete Welt um uns herum, mit ihren neuen Dingen, Formen und Erkenntnissen, an sich äußerst interessant und aufregend. Gerade durch das neue Denken wird sie – trotz ihrer ständigen Veränderungen – wieder erkennbar.
Diese Erkennbarkeit der Welt zusammen mit der Möglichkeit ihrer Transformation eröffnet ungeahnte Möglichkeiten für eine realistische Darstellung.

Ich möchte die Farbigkeit und Formensprache der abstrakten Kunst mit einem objektiven, „klassischen“ Zugang zur Realität verbinden. Ich möchte das, was ich in der Natur und im Leben sehe, mit dem, was ich über Menschen und Dinge weiß, zu einem Ganzen vereinen.

Velázquez ist mir ebenso nah wie Miró. Manet und Picasso sind für mich genauso gegenwärtig wie Formel-1-Rennfahrer. Ich bewundere Homer ebenso wie Einstein, die antike Kunst ebenso wie die Elektronik. Ich wünsche mir, dass meine historischen Bilder etwas Zeitgenössisches ausstrahlen und meine Darstellungen moderner Technik etwas Klassisches besitzen.

Ich wäre glücklich, wenn meine Bilder als Ausdruck der Liebe zur objektiven Realität verstanden würden und sich zumindest ein wenig den revolutionären Zielen der Gegenwart annähern würden – der Verbindung eines qualitativ neuen Humanismus mit der fortschrittlichsten Wissenschaft und Technik.

Metarealismus ist ein Realismus, der den klassischen Ansatz zur Realität durch die Möglichkeiten erweitert, die Wissenschaft und Technik für die Erforschung und Darstellung des Menschen und der Natur eröffnen.

Die humanistische Technokratie wird der Kunst in einer neuen Renaissance, die auf der klassischen Kultur aufbaut, Realität und Rationalität zurückgeben und neue Maßstäbe für Wahrheit und Schönheit setzen.

Die moderne Kunst hat sich schrittweise von der Realität entfernt, während sich die postmoderne Kunst von der Rationalität verabschiedet hat.

Metarealismus ermöglicht die Zitation von Kunstwerken im logischen Zusammenhang unserer Wahrnehmung und unseres Verständnisses objektiver Wirklichkeit.
Metarealismus bringt Realität und Rationalität in die Kunst zurück, was eine Renaissance des Porträts bedeutet. Er ermöglicht die Darstellung der Zivilisation, in der die porträtierte Person lebt, ebenso wie ihrer Gedanken- und Gefühlswelt.
Metarealismus erlaubt die Darstellung historischer Phänomene ebenso wie der gesamten heutigen sichtbaren Realität.

Im Gegensatz zur postmodernen Kunst knüpft der Metarealismus an die rationale europäische klassische Kultur an und vereint die drei Grundlagen der durch die wissenschaftlich-technische Revolution geprägten Gesellschaft: Mensch, Zivilisation und Natur.

ÜBER DIE GEMÄLDE VON FRAUEN

Mein ganzes Leben lang habe ich Bilder von Frauen gemalt. Warum war das Thema der Frau das zentrale und dauerhafte Motiv meiner Arbeit? Vor allem, weil die Frau das schönste Geschöpf ist, das in der Natur existiert, weil sie immer das attraktivste Motiv in der Malerei und in der Kunst überhaupt war.

Nichts in der Geschichte der Menschheit hat so gewaltige Veränderungen durchgemacht und dennoch bei aller Beständigkeit in so unzähligen Variationen existiert. Welch großer Reichtum an Ausdrucksformen ist in einer einzigen Frau verborgen!

Die Frau umfasst alles, was uns im Leben begegnet; sie ist das Wesen des Lebens und seine schönste Zierde. Wenn der Mann als eine Verkörperung der rationalen Zivilisation betrachtet werden kann, dann ist die Frau die Personifikation der weisen und allgegenwärtigen Natur – einer Natur, die wir bewundern, wahrnehmen und akzeptieren, ohne sie jemals vollständig begreifen oder beeinflussen zu können.

Ich war immer davon überzeugt, dass man in Frauen und ihren Darstellungen am besten die Komplexität des Lebens, die gesellschaftlichen Beziehungen, das zeitgenössische Denken und Fühlen sowie die zeitlosen und zeitgebundenen Ideale der Schönheit erfassen kann. Ich bin überzeugt, dass die gewaltige qualitative Veränderung der menschlichen Gesellschaft, nämlich die Gleichstellung der Frau, sich nicht nur im Leben der heutigen Frauen, sondern auch in ihrer Schönheit voll manifestiert hat.

Nie zuvor in der Geschichte haben so viele Frauen so sehr auf ihr Erscheinungsbild geachtet, nie zuvor gab es so viele schöne und faszinierende Frauen wie heute. Noch nie in der Geschichte kam es in so hohem Maße zu einer Verschmelzung geistiger und physischer Schönheit, zu einer neuen modernen Kalokagathie.

Die heutige Frau ist sich völlig bewusst, dass ihr Charme sowohl auf den natürlichen Gaben der Natur als auch auf ihrem geistigen Selbstbewusstsein beruht. Sie weiß, dass ihre Schönheit die Erfüllung eines allgemeineren Ideals weiblicher Schönheit ist – und dieses Ideal ist heute keine abstrakte Idee mehr, sondern ein Prinzip, in dem die Frau sich selbst frei formt.

Sie weiß, dass ihre Schönheit, die Schönheit der sinnlichen Welt, nicht nur an die Sinne gerichtet ist, sondern auch an das Bewusstsein, das Schönheit begreift. Die Schönheit der heutigen Frau ist ein Ausdruck von Geist und Herz, sie ist klassisch in dem Sinne, dass sie individuelle Zufälligkeiten mit allgemeineren Gesetzmäßigkeiten und Ordnung ausgleicht. Die Frau von heute sucht in sich selbst und in der Pflege ihres Erscheinungsbildes auch die innere Essenz der Dinge – das Äußere und das Innere verschmelzen zu einer Einheit. Deshalb ist die Schönheit der Frau zugleich in sich selbst wahr – in der Einzigartigkeit des Lebens ist es gerade das besondere Leuchten, das die Schönheit der Frauen dominiert.

„Ernst ist das Leben, heiter ist die Kunst“, sagt der Dichter Schiller – und Frauen erschaffen ihr eigenes Bild als ein Kunstwerk, mit dem sie die Welt ansprechen.

Daher muss man sich bei der Darstellung der heutigen Frau von jeder äußeren Bestimmung befreien, von allem Unwürdigen und Vergänglichen, von aller Morbidität, vom heutigen Kult der erfolgreichen Hässlichkeit. Man kann keine archaische Primitivität, absichtliche Deformation oder zeitgenössische Absurdität akzeptieren. Man kann keine Einschränkung der Fülle der Natur hinnehmen, denn gerade in der Verbindung natürlicher Gaben mit geistigem Selbstbewusstsein, das aus dem Verständnis der Natur hervorgeht, liegt das Wesen der Schönheit der heutigen Frauen.

Die Schönheit der heutigen Frau ist voller Selbstvertrauen, sie vereint die Ästhetik der antiken Mäßigung mit der Dramatik des Barocks, die Bildung der Renaissance mit der Aktivität und Sachlichkeit der 1920er und 1930er Jahre.

Die heutige Frau verbindet in einer neuen, höheren Synthese alles, was uns in der Einzelbetrachtung als typisch für verschiedene historische Epochen, für verschiedene Nationen und für verschiedene Gemeinschaften erschien.

Die Schönheit der heutigen Frauen ist wunderbar, komplex und großartig – sie unterscheidet sich von allen bisherigen Gesetzmäßigkeiten weiblicher Schönheit in der Vergangenheit – und ist gleichzeitig deren Synthese.

Seit vierzig Jahren male ich immer wieder Bilder von Frauen, die ich im Leben um mich herum sehe, und versuche aufs Neue, ihre reiche, komplexe und wunderbare Welt einzufangen.

Und ich bin glücklich, dass bereits drei Generationen schöner, kluger, sensibler und gebildeter Frauen in meinen Bildern ihr neues, heutiges Schönheitsideal gefunden haben und meine Darstellung ihrer eigenen Absolutheit akzeptieren.

Prag, 19. September 1991

Über Kultur, zeitgenössische Kunst und Meinungsdubbing

Die großen Ausstellungen des vergangenen Jahres in Venedig, Kassel, Hannover und Mannheim stellten im Wesentlichen eine weltweite repräsentative Zusammenfassung der am meisten geschätzten zeitgenössischen Kunstströmungen dar. Doch sie riefen bei vielen bedeutenden europäischen Kunstkritikern Skepsis hervor und wurden oft sogar abgelehnt. Es zeigte sich, dass sie nichts grundlegend Neues brachten, dass die Epoche der modernen Kunst endgültig mit der Abstraktion abgeschlossen wurde und dass die postmoderne Ära mit dem Übergang vom Historismus der angewandten Kunst zu einem inhaltsleeren Ausdruck oder einem inhaltsbezogenen Journalismus endet.

Es wurde deutlich, dass sich das Niveau der Zivilisation immer weniger mit dem Niveau der Kultur und Kunst deckt, die – indem sie die Realität und Rationalität verlassen hat – vollständig „aus den Fugen geraten“ ist.

Die wissenschaftlich-technische Revolution, in der die Vernunft die entscheidende Produktionskraft und das Wissen das fortschrittlichste Kapital ist, rückt die Intelligenz in den Vordergrund. Doch diese teilt sich zunehmend in eine humanistische Intelligenz, die mit Worten lebt und von ihnen existiert, und eine technokratische Intelligenz, die mit der Entwicklung und Steuerung mächtiger Industrie-, Finanz- und Handelsimperien verbunden ist.

Die Intellektuellen, die sich von der Realität und Rationalität losgelöst haben – was das größte Paradoxon der Gegenwart ist – sind in der Kunst und in den Medien am einflussreichsten, sie bestimmen verbal und inhaltlich ihre Form. Als sie nach dem Zusammenbruch der Ideologien die Möglichkeit hatten, die Entwicklung stärker zu beeinflussen, wurden sie zu Predigern und Kommentatoren dieser Entwicklung. Sie überschätzen ihre Rolle und analysieren – wie immer – ihre eigenen Probleme, und ihre eigene Schwäche und Orientierungslosigkeit erklären sie zum allgemeinen Zustand der Gesellschaft.

Um ihre Überlegenheit über die „Pragmatiker“ zu demonstrieren, suchen sie gezielt nach den oberflächlichen und dunklen Seiten der Zivilisation – deren Möglichkeiten sie jedoch gleichzeitig nutzen und einfordern.

Während ein Künstler früher, wenn er sich selbst „erkennen“ wollte, ein Selbstporträt anfertigte, fotografiert er heute (und stellt aus) seine Genitalien oder seinen Kot in einem Glas oder einem BH. Unter dem Vorwand, alle Tabus zu brechen, gibt es nichts, das zu ekelerregend wäre, um nicht als Kunstwerk ausgestellt zu werden – von Fäkalien im Glas oder im BH über behaarte Anale in Aquarien und Binden bis hin zu benutzten Kondomen und Bierdosen. Schließlich gilt nach dieser Vorstellung alles, was jemand erschafft, als Kunstwerk, und jeder kann ein Künstler sein.

Natürlich gibt es auch in der heutigen, so verkommenen Postmoderne zahlreiche Werke vieler Autoren, die herausragend sind und unser Wahrnehmen und Erkennen tatsächlich erweitern. Doch sie sind immer schwieriger zu finden – inmitten der Flut von mittelmäßigen und zutiefst unterdurchschnittlichen Werken, im Chaos aggressiver Selbstvermarktung von Gruppen und Einzelpersonen.

Die heutigen Intellektuellen machen jedoch nur einen kleinen und immer weiter schrumpfenden Teil der gesamten Intelligenz aus. Ein weitaus größerer und bedeutenderer Teil wächst exponentiell: die neu entstehende Klasse der humanistischen Technokratie. Diese beginnt erst damit, ihre eigene Philosophie, ihre eigene Kultur und ihren eigenen Kunstgeschmack zu entwickeln. Doch schon jetzt kann man sagen, dass der Pragmatismus der Technokraten die Realität und Rationalität wieder in die Kunst zurückbringen wird – jene Elemente, die durch die Moderne und Postmoderne aus ihr verdrängt wurden – und somit die Voraussetzungen für eine neue Renaissance schaffen wird. Es steht außer Zweifel, dass diese neue, in der Geschichte aufkommende Klasse durch die Verbindung von Vernunft und sinnlicher Wahrnehmung das Klassische mit dem Modernen vereinen und den Menschen in einer neuen Kalokagathia darstellen wird – in der Harmonie von geistiger und körperlicher Schönheit.

Es ist selbstverständlich, dass die neue humanistische Technokratie ihre Kraft und ihr Selbstbewusstsein in der Kunst ausdrücken wird, dass sie durch einen neuen Zugang zur Realität neue Formen des Realismus – einen neuen Metarealismus – schaffen wird, als eine der Darstellungsweisen der heutigen komplexen Welt.

Die Menschen in diesem Land sind stolz darauf, wie gut sie fremde Werke interpretieren können, wie gut sie über ausländische Denkrichtungen informiert sind, wie gut sie fremde Arbeiten propagieren und wie geschickt sie die Meinungen anderer in ihre eigene Sprache „synchronisieren“. Dies zeigt sich am deutlichsten im Bereich der Kultur und Kunst, wo die Abhängigkeit von fremden Vorbildern als Vorteil dargestellt wird – und oft sogar als Synonym für Qualität.

In seinem Gedicht über Böhmen schrieb Viktor Dyk bereits:

"Deine Kinder werden Gedanken aus zehnter Hand nehmen, und Europa bereits getragene Kleidung zum Tragen bringen."

Wir sind zufrieden damit, als Provinz angesehen zu werden, und mit jahrelanger Verspätung erschaffen wir unsere eigene überhebliche Welt – eine Welt, in der ein Minderwertigkeitskomplex neben kleinbürgerlicher Selbstüberschätzung existiert. Untereinander spielen wir die Souveränen – doch vor den Reichen der Welt stehen wir ehrerbietig mit der Mütze in der Hand, bereit, uns billig anzubieten. Der Eifer, mit dem wir meist völlig unkritisch „neue ausländische Trends“ übernehmen, verdient weniger Bewunderung und mehr Besonnenheit.

Zweifellos sind wir in vielem gut und oft besser als diejenigen, mit denen wir uns vergleichen – aber fast nie sind wir die Ersten – weder mit unserer Meinung noch mit unserer Ansicht. Wir sind diejenigen, die andere kenntnisreich zitieren, doch wir selbst werden in der Welt nur in Ausnahmefällen zitiert.

In jeder Zeit und in jeder Gesellschaft gibt es immer Menschen, die sich nicht damit zufriedengeben wollen, Dinge einfach zu übernehmen und zu wiederholen, die anderswo längst erreicht wurden – Menschen, die ihre Träume, ihre Gedanken und ihre Arbeit auf die Zukunft ausrichten. Und wenn sie sich zusammenschließen, könnten sie – trotz der ungünstigen Bedingungen – zumindest in einigen Bereichen mit der sich schnell verändernden Welt Schritt halten – und sie in manchen Fällen vielleicht sogar überholen.

Über das Porträt

Um die Stellung und Bedeutung des zeitgenössischen Porträts zu verstehen, müssen wir zumindest teilweise in die Vergangenheit zurückkehren, insbesondere ins neunzehnte Jahrhundert. Das neunzehnte Jahrhundert war eine außergewöhnlich wichtige Epoche für unsere europäische Zivilisation, die sich erheblich bereicherte: durch die Erforschung der Geschichte der Menschheit und gleichzeitig durch die Eröffnung des Weges zu unserer Gegenwart.

Im neunzehnten Jahrhundert führte eine noch nie dagewesene Anzahl von Erfindungen, die Erschließung neuer Handelswege und die Industrialisierung der Produktion zu der Vorstellung, dass ein goldenes Zeitalter des Wohlstands für alle anbreche. Doch die Realität sah anders aus – Maschinen verlängerten die Arbeitszeit, die Konzentration der Menschen in den Städten verschlechterte die Lebensbedingungen drastisch, und der Konkurrenzkampf führte zu rücksichtsloser Skrupellosigkeit.

Künstler, die die Welt um sich herum sensibel beobachteten, verfielen in eine Desillusionierung über die Entwicklung der Zivilisation und begannen sich nach und nach abzuwenden – zunächst von den schädlichen Aspekten der Realität, später von der Realität selbst. Der Impressionismus reduzierte die Realität auf das Gesehene, was sich in den kreativen Problemstellungen des Kubismus oder der Flucht in Traum und Vorstellung im Surrealismus fortsetzte. Dieser Prozess kulminierte in der Abstraktion als endgültige Ablehnung der Realität. Dies untergrub natürlich auch die Realität als eine der beiden Säulen der europäischen klassischen Tradition und verdrängte folglich das Porträt, das ohne sinnlich wahrnehmbare Realität nicht möglich ist.

Die moderne und postmoderne Kunst lehnten dann auch die zweite Säule ab, auf der die Kunst seit der Antike ruhte – die Rationalität. Während die Hauptursache für die Ablehnung der Realität die Desillusionierung über die Entwicklung der Zivilisation war, lag der Hauptgrund für die postmoderne Ablehnung der Rationalität in der Desillusionierung über die praktischen Auswirkungen von Ideologien, seien sie nationalistischer oder sozialistischer Art. Die Menschen setzten große Hoffnungen in diese Ideologien, doch sie trugen letztlich zur Entfesselung zweier schrecklicher Weltkriege bei, die Millionen von Menschen Tod und unsägliches Leid brachten. Die Nachkriegszeit in der zweiten Hälfte des zwanzigsten Jahrhunderts stand im Schatten der Bedrohung durch eine globale Katastrophe, und die Kunst versuchte, dieser Realität zu entfliehen, indem sie sich der Irrationalität zuwandte.

Die moderne und vor allem die postmoderne Kunst verzichteten damit auf das Bemühen, das Leben darzustellen, seine Erscheinungsformen zu begründen und seinen Sinn sowohl im Allgemeinen als auch im Einzelnen zu erforschen. Sie lehnte große Erzählungen, Logik, Ordnung, Ideen, Vernunft und die Suche nach Wahrheit ab – das zwanzigste Jahrhundert wurde, wie der Philosoph Bergson sagte, zum Jahrhundert des Unbewussten.

Künstler kehrten zum Ausgangspunkt der gesellschaftlichen Entwicklung zurück und schufen künstlich eine Situation, die fast identisch mit dem Primitivismus und der Vorgeschichte war, als unsere Vorfahren in einer Welt lebten, die sie weder verstanden noch kontrollieren konnten – eine Welt, die für sie ein absolutes Rätsel war.

Auch der heutige Künstler schafft in einer Welt, die er laut Kunsttheoretikern nicht versteht und oft nicht verstehen will. Die heutige wohlhabende Zivilisation verlangt dies nicht von ihm; sie erlaubt ihm vielmehr, sich und andere zu unterhalten und das Spiel dem Denken vorzuziehen. Der Künstler ist kein Bote des Glaubens mehr, kein Philosoph, kein Ingenieur von irgendetwas – er ist ein Unterhalter geworden. Die Kunst ist zu einer Ansammlung unverbindlicher Spiele geworden, sie hat sich bildlich gesprochen von steinernen Theatern in die Manege verlagert. Popularität hat die gesellschaftliche Relevanz ersetzt. Der heutige Künstler ist von allen Einschränkungen und Tabus befreit, er genießt absolute Freiheit – außer dass er ein Sklave des Marktes ist, der ihn in die Rolle eines Showmans und Geschäftsmannes formt.

In der heutigen Kunst vermischen sich alle Werte und Dimensionen – hohe und niedrige, traditionelle und neue, primitive und erhabene, ernste und banale – wenn auch nicht gleichmäßig. Man kann sagen, dass das, was die Kunst über die gesamte Geschichte hinweg anstrebte – Wahrheit und Schönheit –, aus der Kunst verdrängt wurde, während das, was stets am Rand der Kunst oder außerhalb von ihr stand – Hässlichkeit, Widerwärtigkeit und Dilettantismus –, in ihr Zentrum gerückt ist.

Polarität wird betont, doch diese bezieht sich nicht auf den Realismus – und das bedeutet, dass auch das Porträt, das untrennbar mit dieser klassischen Tradition verbunden ist, abseits steht und oft sogar im Widerspruch zu den meisten zeitgenössischen Kunstströmungen.

Die Frage heute lautet: Kann das Porträt in die Kunst zurückkehren, aus der es im zwanzigsten Jahrhundert so brutal verdrängt wurde? Die Antwort muss wiederum in der gesellschaftlichen Entwicklung und ihrer neuen Dynamik gesucht werden. Aufgrund der wissenschaftlich-technischen Revolution wird die Vernunft zur entscheidenden Kraft, Bildung und Information zum fortschrittlichsten Kapital. Dies bringt Rationalität und Realität in die Kunst zurück. Dies schafft die Voraussetzungen für eine neue Renaissance, und genau dieser Renaissance ebnet das Porträt heute den Weg.

Das Porträt ist also nicht etwas, das von der modernen Zeit überholt wurde, sondern im Gegenteil etwas, mit dem die neue Ära kommt. Gerade das Porträt ist in der Lage, rasch an die reiche europäische Kulturtradition anzuknüpfen, Vergangenheit und Gegenwart zu integrieren und Objektives und Subjektives zu einer neuen Qualität zu verbinden.

Das Porträt kann mit seinem Streben nach Form und Ordnung der heutigen Fragmentierung und dem sprunghaften Chaos entgegenwirken. Seine Ausdrucksstärke kann die heutige Isolation des Künstlers vom Publikum überwinden, und nicht zuletzt können seine technischen und handwerklichen Anforderungen eine Barriere gegen die heutige Flut von Dilettantismus und künstlerischer Unzulänglichkeit bilden.

Das Porträt war aufgrund seiner anspruchsvollen Natur immer die Krone künstlerischen Strebens, es war oft die angesehenste Disziplin, und es ist gut möglich, dass es in der kommenden Renaissance wieder einen herausragenden und würdigen Platz einnimmt. Natürlich hat die zunehmende Isolation des Porträts und die Unterbrechung seiner natürlichen Entwicklung Folgen – nur wenige Künstler sind technisch so versiert, dass sie es meistern können, nur wenige sind in der Lage, Konventionen und bestehende Vorurteile zu überwinden. Nur wenige können sich mit der Konkurrenz der Fotografie messen, und nur wenige können ihre eigene Psyche und künstlerische Persönlichkeit mit der des Porträtierten in Einklang bringen.

Die außergewöhnliche Schwierigkeit des Porträts liegt auch darin, dass es die Attraktivität des Zufälligen ausschließt – ein einziger Pinselstrich kann den Ausdruck eines Gesichts verändern, eine minimale Verschiebung in der Zeichnung oder eine winzige Änderung der Schattierung kann ein völlig anderes Gesicht entstehen lassen.

Gerade diese ständige Aufmerksamkeit, die unablässige Selbstkontrolle der eigenen künstlerischen Sensibilität und die Energie der malerischen Darstellung machen das Porträt zu einer so schwierigen und anspruchsvollen künstlerischen Disziplin.

Das Porträt kann nicht in die allumfassende Kategorie aller möglichen künstlerischen Spiele eingeordnet werden, es war und bleibt immer eine Kategorie der Kunst.